¿Qué es la Cinematografía?
La búsqueda de la narración visual está en el corazón de la realización de películas. Es este arte de contar historias, combinado con la fotografía y el trabajo con una cámara en una película, lo que se denomina cinematografía.
La cinematografía, como término, no solo se usa en el campo del entretenimiento; también se puede utilizar en la ciencia, los negocios y los medios de comunicación. Según la definición dada por la American Society of Cinematographers (ASC), la cinematografía no es solo la documentación de lo que está sucediendo; es también crear un arte original mediante un proceso iluminador y creativo.
Contar su propia historia única mediante la creación de un lenguaje visual requiere un talento natural innato y el conocimiento de la profesión. habilidades de fotografía. Además de la fotografía, un director de fotografía utiliza otros medios como la manipulación de imágenes, la organización, la gestión, etc. para lograr el resultado deseado. Si una película tiene que proyectarse en la pantalla grande, los cineastas suelen pasar la mayor parte de su presupuesto en cinematografía de alta calidad.
¿Qué hace un director de fotografía?
También conocido como el Director de Fotografía (DP), los directores de fotografía son los que capturan la historia en imágenes usando una cámara. Los directores de fotografía tienen que gestionar todos los elementos visuales de la película, como iluminación, composición, tonos de color, movimientos de cámara, etc. Entonces, ya sea que una escena deba tomarse en gran angular o de cerca, alta o baja, nítida o borrosa; todo lo decide el director de fotografía.
Los directores de fotografía lideran todo el equipo que trabaja en la cámara y las luces de una película. Su función es trabajar junto con el director para garantizar que la visión del director se cumpla. Tienen que trabajar en un equipo que implica una toma de decisiones compleja.
Por lo general, un director brinda un breve resumen sobre cómo debe verse visualmente una escena, y el director de fotografía tiene la responsabilidad de lograrlo. En la mayoría de los casos, el director de fotografía tendría mucha libertad creativa. Sin embargo, el director también puede proporcionar instrucciones precisas sobre el resultado exacto que desea.
La Sociedad Estadounidense de Directores de Fotografía premia a los mejores directores de fotografía de la industria. Les permiten usar "ASC" antes de sus nombres en los créditos de la película.
Aquí hay algunas responsabilidades de un director de fotografía en detalle:
Configuración y ubicación de la cámara
El director de fotografía tiene que decidir dónde colocar la cámara en una toma en particular. Si el director de fotografía elige poner distancia entre el sujeto y la cámara, transmitiría un significado diferente que cuando la cámara está a corta distancia. Tienen que decidir qué cámara y lentes usar para representar un estilo y significado particular. Algunos factores importantes en la cámara son la resolución, el muestreo de color y el obturador, lo que ayuda a los directores de fotografía a expresar lo mejor con la luz y la posición. La importancia no es solo la calidad, sino también cómo las imágenes cuentan la historia.
Movimiento de la cámara
El movimiento de la cámara también juega un papel vital a la hora de determinar cómo quedaría la película. Por lo general, en una película de acción, los directores de fotografía siguen la acción a través de la cámara para transmitir el movimiento rápido mientras mantienen la cámara inmóvil para mostrar la intensidad del momento.
Composición
La composición es lo que decide cómo se vería una escena. Los directores de fotografía tienen que determinar dónde colocar cada elemento de una escena en particular. Pueden decidir si mostrar u ocultar ciertos elementos del marco. Enmarcar un tema de manera estricta puede generar emociones o crear misterio sobre lo que sucede alrededor del tema. Una escena también se puede representar de manera que el sujeto de la película no se dé cuenta de lo que sucede a su alrededor mientras que el público sí. Tales métodos de composición pueden determinar cómo la audiencia interpretará la historia.
Coordinación
Los directores de fotografía tienen que coordinarse con otros miembros del equipo, como un administrador de locaciones para investigar las locaciones y determinar los puntos de vista de la cámara. Pueden proporcionar sus comentarios sobre las ubicaciones al director y mejorar las imágenes.
Iluminación
¿Alguna vez has notado que, por lo general, una película de suspenso tiene una iluminación bastante oscura mientras que una comedia es brillante? La iluminación es algo que la gente no nota naturalmente. Pero cambia el estado de ánimo de la película. La iluminación de clave alta se usa a menudo para mostrar emociones divertidas y felices, y la iluminación de clave baja se usa a menudo para mostrar emociones misteriosas y malhumoradas. Por lo tanto, los directores de fotografía deben ser expertos en ello y deben aprender tanto la luz artificial como la natural. Y tienen que saber cómo aportar el contraste, la profundidad y las formas adecuadas en una escena. Los directores de fotografía diseñan el sistema de iluminación para toda la película y el técnico principal de iluminación es la persona que ejecutaría el diseño.
Cámaras y lentes para directores de fotografía
Es responsabilidad del director de fotografía seleccionar la cámara utilizada para hacer una película. El director de fotografía tendrá que decidir si usará una cámara de película o una digital, qué tipos de lentes se usarán, qué configuración de cámara se necesitará y qué otros equipos se requerirán.
Si la película tiene un gran presupuesto, no significa que pueda usarse para conseguir una cámara cara. Hay muchos otros factores a tener en cuenta, como cuántas lentes se requieren, cuánto costaría la configuración de iluminación, etc. El principal factor decisivo para seleccionar el equipo debe ser su capacidad para contar la historia. Incluso las películas que tienen un presupuesto de millones de dólares usan opciones más baratas si sirven mejor a la historia.
Se puede usar una cámara de película para mostrar los granos y la textura. La cámara digital, por otro lado, da una imagen limpia. Las cámaras digitales también ofrecen la posibilidad de utilizar un obturador más ancho que las cámaras de película. También puede filmar en diferentes formatos de archivo, lo que ayuda a brindar más flexibilidad en la posproducción.
Lentes
Las lentes principales se usan más para hacer una película. Las lentes principales tienen una distancia focal fija y brindan resultados de mucha mayor calidad que una lente de zoom. Los directores de fotografía utilizan los lentes 21 de 28 mm para obtener una toma amplia, 50 mm para tomas medias y 85 mm a 105 mm para tomas de retrato. Una de las monturas más comunes para lentes en las producciones independientes es la montura EF de Canon. Mientras que en las grandes casas de producción, se utiliza la montura ARRI PL. Las lentes se pueden intercambiar utilizando un amplificador de velocidad o adaptadores.
¿Cuáles son algunas técnicas cinematográficas comunes?
Encuentre una solución creativa
Encontrar formas diferentes y únicas de filmar puede conducir a una técnica cinematográfica que ayudará a lograr el objetivo visual del director. Esto también puede requerir hacer una estrategia detallada sobre cómo conseguir las vacunas. Cuando Stanley Kubrik estaba rodando la película, Barry Lyndon, el director de fotografía John Alcott quería rodar toda la película con luz natural. Incluso querían superar los límites fotografiando a la luz de las velas para escenas de interior. Para ello, tomaron prestada una lente especial de la NASA que lo hizo posible. Y, el resultado de todo este esfuerzo fue una obra maestra.
Centrarse en la historia
El estilo cinematográfico creativo es importante, pero no más que la historia. Si una historia no es buena o no se muestra de manera adecuada, tener solo buenos efectos visuales o técnicas no hará que la película sea excelente.
Con respecto a esto, Roger Deakins, el gran director de fotografía, dijo: “No hay nada peor que una toma ostentosa o alguna iluminación que llame la atención, y podrías decir, 'Oh, wow, eso es espectacular'. O esa toma espectacular, un gran movimiento de grúa o algo así. Pero no es necesariamente adecuado para la película: saltas, piensas en la superficie y no te quedas ahí con los personajes y la historia". El aspecto visual de la película debe basarse en el factor que hace que la película sea mejor.
Administrar el tiempo de manera eficiente
La cinematografía es un trabajo repleto. Tienes que interactuar con varios jefes de departamento constantemente. El tiempo, como el dinero, nunca sería suficiente. El primer AD estará en tu cabeza para terminar las tareas y, en última instancia, la película a tiempo. Es mejor planificar la cobertura, las configuraciones y los planes de iluminación a fondo antes de comenzar la sesión. Un director de fotografía puede utilizar varias herramientas para gestionar sus tareas.
Conoce el guión
Sin embargo, un director de fotografía necesita tener los conocimientos técnicos, pero la creatividad juega un papel igualmente importante. Muchas veces, el director de fotografía y el equipo de cámara no conocen bien el guión. El director de fotografía, con un conocimiento profundo del guión, puede generar nuevas sugerencias y preguntas para mejorar la película.
Usa equipo relevante
Hacer una gran película no significa tener la mejor cámara y lentes. Un director de fotografía necesita aprender qué equipo puede ayudar a lograr los objetivos finales. Esto puede significar no usar necesariamente el paquete completo de Alexa; incluso las cámaras ENG pueden hacer el trabajo.
Aprende de los mejores
Los grandes directores de fotografía también han aprendido de los grandes que les precedieron. Un director de fotografía puede adquirir conocimientos y transmitirlos a la siguiente generación mejorando las técnicas cinematográficas. Orson Welles, quien hizo la aclamada película Citizen Kane, dijo que John Ford lo inspiró mucho. El legendario director de fotografía John Ford es conocido por inventar varias técnicas de iluminación y cámara, como el western y el claroscuro. Welles aprendió las técnicas de Ford y creó sus propios clásicos y desarrolló técnicas de iluminación innovadoras.
Haz pruebas de cámara
Hacer las pruebas adecuadas antes de una sesión es fundamental. Varios componentes pueden fallar cuando se realiza la sesión real. Un director de fotografía puede hacer la prueba de la cámara utilizando carros de fichas, tablas de colores y modelos. Junto con las pruebas, el manejo y el mantenimiento del equipo también son importantes.
Encuentra la mejor ubicación
Una buena ubicación puede elevar la película a un nivel diferente. Tome nota de las condiciones climáticas y de iluminación en diferentes momentos del día y del año. Una buena ubicación significaría que un director de fotografía y el equipo tienen que trabajar menos. Una mala ubicación requeriría más esfuerzo para lograr el resultado deseado.
No dependas de la Post Producción
La mejor manera de obtener buenos resultados es hacerlo bien en la cámara. La posproducción puede ayudar, pero no hará que un video mal filmado sea bueno. Trabajar en la postproducción requerirá más tiempo y dinero. Un buen director de fotografía hace uso de la ubicación, la iluminación y otras técnicas de filmación para que la fotografía sea sobresaliente.
¿Cómo te conviertes en director de fotografía?
Hacer una carrera en cinematografía no es una tarea fácil. Y no hay una sola forma de convertirse en director de fotografía. Por lo tanto, es beneficioso educarse en la realización de películas analógicas o digitales. La educación dará una mejor imagen de la industria, además de enseñar sobre el tema.
Una persona puede hacer un curso certificado, un título de asociado o una licenciatura en cinematografía. Para proporcionar trabajos de cinematografía, los empleadores prefieren un candidato con una licenciatura.
Un curso certificado enseñará a los cineastas las técnicas de una manera rápida. Se trata de aprender acerca de la cámara y la iluminación, y las existencias de películas. El título de asociado incluirá la preparación de los conceptos básicos de cine y televisión, junto con cinematografía, dirección y diseño de sonido. La licenciatura brindará capacitación práctica en habilidades de filmación y edición, iluminación, producción, animación y administración. También requeriría que los directores de fotografía trabajen en un proyecto cinematográfico hacia el final del curso.
Después de terminar su educación, pueden buscar trabajar como asistentes de producción (PA) en un set de filmación. De esta manera, una persona aprenderá las habilidades que utiliza un director de fotografía. Por lo general, una persona no se convierte en director de fotografía inmediatamente después de la educación. Uno tiene que ser segundo asistente, primer asistente y, finalmente, la persona que opera la cámara.
Un director de fotografía puede comenzar a trabajar en películas independientes al comienzo de su carrera. Luego pueden avanzar hacia el mundo profesional para encontrar trabajos de cinematografía. Trabajar en pequeños proyectos de teatro les ayudará a perfeccionar sus habilidades y establecer contactos en la industria. Para hacer networking, los directores de fotografía deben asistir a proyecciones, eventos de alfombra roja, seminarios, etc. Deben leer revistas relevantes de la industria para mantenerse actualizado con las tendencias y el conocimiento.
Las mejores escuelas de cinematografía
Universidad de California en Los Ángeles
El departamento de la Escuela de Teatro, Cine y Televisión de UCLA es uno de los principales centros de entretenimiento y actuación. instituciones de arte en el mundo. La escuela ofrece programas de pregrado y posgrado en actuación, dirección, escritura, cinematografía, diseño de iluminación y más.
Escuela de Artes de la Universidad de Carolina del Norte en Winston-Salem
UNCSA tiene un plan de estudios sólido y adopta un enfoque práctico para enseñar. En los primeros dos años, se les pide a los estudiantes que filmen varios proyectos digitales, además de enseñarles en detalle la producción cinematográfica moderna. La UNCSA tiene un curso de licenciatura en Cinematografía junto con otros cursos de realización de películas como dirección, animación, producción, escritura de guiones, etc.
Universidad del Sur de California en Los Ángeles
La USC es conocida por la gran cantidad de ex alumnos que ha producido, incluidos algunos notables como George Lucas. La escuela ofrece una amplia gama de cursos en Artes Cinematográficas.
Conservatorio AFI, Los Ángeles
El American Film Institute ofrece un enfoque práctico para la realización de películas. El AFI tiene ex alumnos conocidos como David Lynch, Rachel Morrison y Darren Aronofsky. El programa del conservatorio es administrado por el Centro de Estudios Avanzados de Cine y Televisión de AFI, que ofrece cursos de dirección, producción, escritura y cinematografía, entre otros.
Academia de Cine de Beijing
El BFA es la institución cinematográfica más grande de Asia y está funcionando desde hace 65 años. La escuela de cine enseña todo lo relacionado con la realización de películas desde producción, animación, cinematografía y más. La academia es conocida mundialmente por sus logros en la producción cinematográfica.
Pocas terminologías cinematográficas
Shots - Los planos son la unidad más pequeña de una película. Un solo plano está separado del otro por cortes o transiciones. Hay miles de planos en una película narrativa.
escenas - El número de tomas realizadas durante un período de tiempo determinado se denomina escena. Cuando se cambia la ubicación, también habrá un cambio en la escena. Las escenas, por sí solas, tienen un principio, un medio y un final. Y habría múltiples tomas en una escena.
Secuencias - Muchas escenas juntas forman una secuencia. Las secuencias también tienen un principio, un medio y un final. Una secuencia puede tener varias ubicaciones. Hay alrededor de 20 secuencias en una película narrativa.
Tiro lejano extremo - Este tipo de planos generales se utilizan cuando los sujetos deben mostrarse en su contexto ambiental. Este tipo de tomas también se utilizan cuando el director de fotografía tiene que mostrar dos lugares diferentes.
Disparo a vista de pájaro - El Bird's Eyeshot también es extremadamente amplio, pero está tomado desde el ángulo superior. En este tipo de plano, empiezan a surgir patrones de una escena. Esto se ve típicamente al comienzo de una película.
Tiro largo - En el plano general, la gente puede ver lo que sucede en un área, pero no está lo suficientemente cerca como para tener una conexión personal con el sujeto. El espectador se siente parte de la escena, como si estuviera mirando a alguien desde la distancia.
Tiro medio - El plano medio se usa típicamente para mostrar personas en pequeños grupos donde hay un intercambio de diálogos. Esta toma aún no está allí en el nivel emocional. La idea es mostrar lo que está pasando en un área pequeña. La toma generalmente se encuadra desde la cintura de una persona para arriba. Hacer que la toma tenga un poco más de luz mostrará las emociones del actor.
Fotografía de cerca - En el primer plano, se muestra principalmente el rostro de una persona para que el impacto de las emociones del personaje se transfiera a los espectadores.
primer plano extremo - Cuando vea un primer plano extremo de ojos, manos o cualquier objeto, piense en ellos como primeros planos extremos. Estas tomas se utilizan para hacer una escena intensa.
Tiro de ángulo holandés - Dutch Angle Shot se utiliza cuando un director de fotografía tiene que mostrar una falta de estabilidad o cuando la escena requiere algo más perturbador. Esta técnica se realiza inclinando la cámara hacia un lado hasta que el fondo deja de estar paralelo al horizonte.
Tiro por encima del hombro - Esta toma generalmente se usa cuando un personaje está hablando con otra persona o mirando algo. En tales tomas, el hombro y la cabeza de un personaje están desenfocados. Y lo que el personaje está mirando está enfocado.
Disparo inclinado - Tilt Shot mueve la cámara normalmente de arriba hacia abajo o de abajo hacia arriba. Esta toma, cuando se combina con el mismo movimiento del sujeto, puede dar grandes resultados. Las tomas inclinadas se pueden usar al comienzo de la película como una toma de apertura o para revelar algo al final de la toma.
Toma panorámica - La toma panorámica es muy similar a la toma inclinada, pero se realiza horizontalmente. Esta toma se toma para mostrar el movimiento horizontal del sujeto o para mostrar los alrededores.
Disparo de zoom - La toma con zoom se toma para aumentar el enfoque en el sujeto dentro de una escena. Los directores de fotografía han mejorado al tomar esta toma al mostrar el zoom de manera más natural.
Disparo con Zoom Dolly - La toma con zoom del carro se acerca al sujeto en la pista del carro con la cámara, mientras que la cámara se aleja suavemente del sujeto.
tiro de grulla - En el plano de la grúa, la cámara se mueve hacia el sujeto en forma de traslación vertical o viceversa. Este tipo de toma ahora se toma con drones; antes se utilizaban grúas caras.
Toma de seguimiento -El travelling utiliza una plataforma rodante o un dron para seguir al sujeto. Esta toma muestra más vivacidad al movimiento, lo que no se logra cuando la cámara está estable.
Disparo en primera persona/ Disparo desde el punto de vista - La toma desde el punto de vista se toma ajustando la montura de la cámara al sujeto y mostrando la película desde su perspectiva. Esta técnica se utiliza para hacer que la película sea más atractiva.
Las mejores películas cinematográficas de todos los tiempos
El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007): Roger Deakins colaboró con Andrew Dominik en esta película. La película se cuenta entre las mejores películas del oeste en las que Deakins hace un uso increíble de la iluminación. Deakins a veces usaba las mismas luces en las tomas. Es conocido por hablar con escenógrafos para incluir el equipo de iluminación en los decorados. Deakins ha logrado dar a esta película el aspecto de una fotografía descolorida, que tiene un aspecto antiguo pero aún es nítido donde hay texturas.
El árbol de la vida (2011): El director Terence Malick trabajó con el director de fotografía Emmanuel Lubezki en esta película, conocida por su mejor cinematografía. Lubezki elevó la visión del director con su cinematografía de clase mundial. Pudo explorar el contexto espiritual de la película de una manera brillante usando la luz de manera creativa. La película ha hecho un uso mayoritario de la luz natural. Lubezki ha mostrado maravillosamente la lucha a vida o muerte en la película. Según Lubezki, trabajar con Terence en esta película fue increíblemente difícil. Era como si el director estuviera tratando de crear un error y accidentes, lo que hizo que la película pareciera muy natural. Hicieron uso de elementos naturales como el viento, la lluvia y el sol en la historia, lo que les ayudó a capturar los momentos hermosos que no duran mucho.
Con ganas de amar (2000): Una de las mejores películas cinematográficas, In the Mood for Love, es una colaboración entre tres directores de fotografía: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan y Ping Bin Lee. La cinematografía se hace de una manera tan secreta. Los espectadores sienten que están entrometiéndose en la vida de los dos personajes; que desarrollan una relación secreta en la película. La sensación de indiscreción se logra mediante una colocación y un encuadre bien pensados de la cámara. Las tomas de seguimiento que muestran la parte trasera de los personajes también aumentan el misterio.
El inmigrante (2013): Conocido por su mejor cinematografía, Darius Khondji, muestra esta película como un clásico difícil de recordar. Khondji ha trabajado en algunas grandes películas como Evita, Seven, Midnight in Paris, etc. Ha podido mostrar con éxito la escena de Nueva York de 1920 en esta película, además de hacer que el Sueño Americano sea más atractivo.
Lejos del cielo (2002): Ed Lachman, el director de fotografía de la película, ha colaborado con el director Todd Haynes en muchos proyectos, pero "Lejos del cielo" está filmada en un nivel completamente nuevo. El desafío de Lachman fue crear la apariencia de una rejilla de luz superior, con los tonos de color para saturarse. Tuvo que trabajar con película de 2002 en esta película y, sin embargo, logró mostrar las emociones de los personajes con fascinantes paletas de colores.
Como aspirante a director de fotografía, debe tener un sitio web bien estructurado que muestre su cartera de una manera limpia y minimalista. Su sitio web representará su estilo de trabajo y atraerá más clientes y consultas. Las oportunidades abundan, pero debe asegurarse de que los espectadores comprendan la idea y el concepto detrás de su trabajo, ya sea la cinematografía, la producción de video o la dirección.