Co to jest kinematografia?
Dążenie do narracji wizualnej leży u podstaw tworzenia filmów. To właśnie sztuka opowiadania historii połączona z fotografią i pracą z kamerą w filmie nazywana jest kinematografią.
Kinematografia jako termin jest używana nie tylko w dziedzinie rozrywki; może być stosowany również w nauce, biznesie i środkach masowego przekazu. Zgodnie z definicją podaną przez American Society of Cinematographers (ASC) kinematografia to nie tylko dokumentacja tego, co się dzieje; to także tworzenie oryginalnej sztuki w procesie oświecającym i twórczym.
Opowiedzenie własnej, niepowtarzalnej historii, poprzez wypracowanie języka wizualnego, wymaga wrodzonego naturalnego talentu i profesjonalnej wiedzy umiejętności fotograficzne. Oprócz fotografii operator wykorzystuje inne media, takie jak manipulacja obrazem, organizacja, zarządzanie itp., Aby osiągnąć pożądany rezultat. Jeśli film ma być wyświetlany na dużym ekranie, filmowcy zazwyczaj spędzają większość czasu budżet na wysokiej jakości kinematografii.
Co robi operator filmowy?
Znani również jako reżyser zdjęć (DP), autorzy zdjęć to ci, którzy rejestrują historię w formie wizualnej za pomocą aparatu. Operatorzy muszą zarządzać wszystkimi elementami wizualnymi filmu, takimi jak oświetlenie, kompozycję, odcienie kolorów, ruchy aparatu i tym podobne. Niezależnie od tego, czy scena ma być kręcona pod szerokim kątem, czy z bliska, wysoko czy nisko, ostro czy rozmycie; o wszystkim decyduje autor zdjęć.
Operatorzy kierują całą ekipą pracującą nad kamerą i oświetleniem filmu. Ich rolą jest współpraca z reżyserem w celu zapewnienia realizacji wizji reżysera. Muszą pracować w zespole wymagającym podejmowania złożonych decyzji.
Zazwyczaj reżyser określa, jak scena powinna wyglądać wizualnie, a operator ma obowiązek to osiągnąć. W większości przypadków autor zdjęć miałby dużą swobodę twórczą. Jednak reżyser może również udzielić dokładnych instrukcji dotyczących dokładnego rezultatu, jakiego chce.
American Society of Cinematographers nagradza najlepszych operatorów w branży. Pozwalają im używać „ASC” przed ich nazwiskami w napisach końcowych filmu.
Oto niektóre obowiązki operatora w szczegółach:
Konfiguracja i umiejscowienie kamery
Operator musi zdecydować, gdzie umieścić kamerę w konkretnym ujęciu. Jeśli operator zdecyduje się umieścić odległość między obiektem a kamerą, będzie to miało inne znaczenie niż wtedy, gdy kamera jest z bliskiej odległości. Muszą zdecydować, jakiego aparatu i obiektywów użyć, aby przedstawić określony styl i znaczenie. Niektóre ważne czynniki w aparacie to rozdzielczość, próbkowanie kolorów i migawka, które pomagają operatorom wyrazić to, co najlepsze za pomocą światła i pozycji. Ważna jest nie tylko jakość, ale także sposób, w jaki wizualizacje opowiadają historię.
Ruch kamery
Ruch kamery również odgrywa istotną rolę w określaniu, jaki będzie film. Zwykle w filmie akcji operatorzy śledzą akcję przez kamerę, aby oddać szybki ruch, podczas gdy mogą trzymać kamerę nieruchomo, aby pokazać intensywność chwili.
Kompozycja
Kompozycja decyduje o tym, jak będzie wyglądać scena. Operatorzy muszą określić, gdzie umieścić każdy element konkretnej sceny. Mogą zdecydować, czy pokazać, czy ukryć określone elementy kadru. Ciasne kadrowanie tematu może wywołać emocje lub stworzyć tajemnicę dotyczącą tego, co dzieje się wokół obiektu. Scenę można również przedstawić w taki sposób, że bohater filmu może nie zdawać sobie sprawy z tego, co dzieje się wokół, podczas gdy publiczność to robi. Takie metody kompozycji mogą decydować o tym, jak publiczność zinterpretuje historię.
Koordynacja
Operatorzy muszą koordynować działania z innymi członkami ekipy, takimi jak kierownik lokalizacji, aby badać lokalizacje i ustalać punkty obserwacyjne kamery. Mogą przekazywać reżyserowi swoje uwagi na temat lokacji i poprawiać oprawę wizualną.
Oświetlenie
Czy zauważyłeś, że zwykle thriller jest dość ciemny, podczas gdy komedia jest jasna? Oświetlenie to coś, czego ludzie naturalnie nie zauważają. Zmienia to jednak klimat filmu. Oświetlenie o wysokim tonie jest często używane do pokazania zabawnych, radosnych emocji, a oświetlenie o niskim tonie jest często używane do pokazania tajemniczości i nastrojowych emocji. Dlatego operatorzy muszą być w tym ekspertami i muszą nauczyć się zarówno sztucznego, jak i naturalnego światła. Muszą też wiedzieć, jak uzyskać odpowiedni kontrast, głębię i kształty w scenie. Operatorzy projektują system oświetlenia dla całego filmu, a Główny Technik Oświetlenia jest osobą, która wykona projekt.
Aparaty i obiektywy dla operatorów
Do obowiązków operatora należy wybór kamery użytej do kręcenia filmu. Operator będzie musiał zdecydować, czy użyć kamery filmowej, czy cyfrowej, jakie rodzaje obiektywów zostaną użyte, jakie ustawienia kamery będą potrzebne i jaki inny sprzęt będzie potrzebny.
Jeśli film ma duży budżet, nie oznacza to, że można za niego kupić drogi aparat. Należy wziąć pod uwagę wiele innych czynników, takich jak liczba wymaganych obiektywów, ile kosztowałoby ustawienie oświetlenia i tym podobne. Głównym czynnikiem decydującym o wyborze sprzętu powinna być jego umiejętność opowiadania historii. Nawet filmy, które mają miliony dolarów w budżecie, korzystają z tańszych opcji, jeśli lepiej służy to historii.
Kamery filmowej można użyć do pokazania ziarna i tekstury. Z drugiej strony aparat cyfrowy daje czysty obraz. Aparaty cyfrowe dają również możliwość zastosowania szerszej migawki niż aparaty na kliszę. Możesz także nagrywać w różnych formatach plików, co pomaga w zapewnieniu większej elastyczności w postprodukcji.
Obiektywy
Obiektywy stałoogniskowe są częściej używane przy kręceniu filmu. Obiektywy stałoogniskowe mają stałą ogniskową i dają znacznie lepszą jakość niż obiektyw zmiennoogniskowy. Operatorzy używają obiektywów 21 mm, 28, aby uzyskać szerokie ujęcie, 50 mm do średnich ujęć i 85 mm do 105 mm do ujęć portretowych. Jednym z najczęściej spotykanych mocowań obiektywów w produkcjach niezależnych jest mocowanie Canon EF. W dużych zakładach produkcyjnych stosuje się mocowanie ARRI PL. Soczewki można wymieniać za pomocą wzmacniacza prędkości lub adapterów.
Jakie są popularne techniki kinematograficzne?
Znajdź kreatywne rozwiązanie
Znalezienie różnych i unikalnych sposobów kręcenia może prowadzić do techniki kinematograficznej, która pomoże w osiągnięciu wizualnego celu reżysera. Może to również wymagać opracowania szczegółowej strategii dotyczącej wykonywania zdjęć. Kiedy Stanley Kubrik kręcił film, Barry Lyndon, operator John Alcott chciał nakręcić cały film w naturalnym świetle. Chcieli nawet przekroczyć granice, kręcąc sceny we wnętrzach przy świetle świec. W tym celu pożyczyli od NASA specjalną soczewkę, która to umożliwiła. A rezultatem tych wszystkich wysiłków było arcydzieło.
Skoncentruj się na historii
Kreatywny styl zdjęć jest ważny, ale nie ważniejszy niż fabuła. Jeśli historia nie jest dobra lub niewłaściwie pokazana, same dobre efekty wizualne lub techniki nie sprawią, że film będzie świetny.
Odnosząc się do tego, Roger Deakins, wielki autor zdjęć, powiedział: „Nie ma nic gorszego niż ostentacyjne ujęcie lub oświetlenie, które zwraca na siebie uwagę, i możesz pomyśleć:„ Och, wow, to jest spektakularne ”. Albo to spektakularne ujęcie, duży ruch dźwigu czy coś takiego. Ale niekoniecznie jest to dobre dla filmu — wyskakujesz, myślisz o powierzchni i nie zostajesz tam z postaciami i historią”. Wizualny wygląd filmu powinien opierać się na czynniku, który sprawia, że film jest lepszy.
Efektywnie zarządzaj czasem
Kinematografia to ciężka praca. Musisz stale wchodzić w interakcje z różnymi szefami działów. Czasu, podobnie jak pieniędzy, nigdy nie będzie dość. Pierwsze AD spadnie ci na głowę za ukończenie zadań i ostatecznie film na czas. Lepiej dokładnie zaplanować zasięg, ustawienia, plany oświetlenia przed rozpoczęciem sesji. Operator filmowy może korzystać z różnych narzędzi do zarządzania swoimi zadaniami.
Poznaj scenariusz
Operator co prawda musi mieć techniczne know-how, ale równie ważną rolę odgrywa kreatywność. Często zdarza się, że operator i ekipa filmowa nie znają dobrze scenariusza. Operator, z dogłębną znajomością scenariusza, może wnieść nowe sugestie i pytania, aby ulepszyć film.
Użyj odpowiedniego sprzętu
Zrobienie świetnego filmu nie oznacza posiadania najlepszego aparatu i obiektywów. Operator musi nauczyć się, jaki sprzęt może pomóc w osiągnięciu końcowych celów. Może to oznaczać niekoniecznie korzystanie z w pełni funkcjonalnego pakietu Alexa; nawet aparaty ENG poradzą sobie z tym zadaniem.
Ucz się od najlepszych
Wielcy operatorzy również uczyli się od wielkich przed nimi. Operator może zdobywać wiedzę i przekazywać ją kolejnym pokoleniom, doskonaląc techniki operatorskie. Orson Welles, który nakręcił dobrze przyjęty film Obywatel Kane, powiedział, że John Ford bardzo go zainspirował. Legendarny autor zdjęć John Ford jest znany z wynalezienia różnych technik oświetleniowych i kamer, takich jak western i chiaroscuro. Welles nauczył się technik od Forda i stworzył własne klasyki oraz opracował innowacyjne techniki oświetleniowe.
Zrób testy aparatu
Wykonanie odpowiednich testów przed strzelaniem ma kluczowe znaczenie. Różne komponenty mogą się nie udać, gdy ma miejsce właściwa sesja. Operator może przeprowadzić test kamery, korzystając z wózków z chipami, wykresów kolorów i modeli. Wraz z testowaniem, obsługą i konserwacją sprzętu są również ważne.
Znajdź najlepszą lokalizację
Dobra lokalizacja może wznieść film na inny poziom. Zwróć uwagę na oświetlenie i warunki pogodowe w różnych porach dnia i roku. Dobra lokalizacja oznaczałaby, że operator i ekipa filmowa musieliby mniej pracować. Zła lokalizacja wymagałaby więcej wysiłku, aby osiągnąć pożądany rezultat.
Nie polegaj na postprodukcji
Najlepszym sposobem na uzyskanie dobrych wyników jest zrobienie tego bezpośrednio w aparacie. Postprodukcja może pomóc, ale nie sprawi, że źle nakręcony film będzie dobry. Praca nad postprodukcją zajmie więcej czasu i pieniędzy. Dobry operator wykorzystuje lokalizację, oświetlenie i inne techniki filmowania, aby zdjęcia były wyjątkowe.
Jak zostaje się operatorem filmowym?
Zrobienie kariery w kinie nie jest łatwym zadaniem. I nie ma jednego sposobu, aby zostać operatorem. Dlatego warto kształcić się w zakresie kręcenia filmów analogowych lub cyfrowych. Edukacja, poza nauczaniem merytorycznym, da lepszy obraz branży.
Osoba może ukończyć kurs certyfikacyjny, stopień naukowy lub licencjat z kinematografii. Aby zapewnić pracę w branży kinematograficznej, pracodawcy preferują kandydata z tytułem licencjata.
Kurs certyfikacyjny nauczy operatorów technik w szybkim tempie. Obejmuje naukę o aparacie i oświetleniu oraz taśmach filmowych. Stopień naukowy będzie obejmował przygotowanie podstaw filmu i telewizji, wraz z kinematografią, reżyserią i projektowaniem dźwięku. Licencjat zapewni praktyczne szkolenie w zakresie strzelania i edycji, oświetlenia, produkcji, animacji i umiejętności zarządzania. Wymagałoby to również od operatorów pracy nad projektem filmowym pod koniec kursu.
Po ukończeniu edukacji mogą podjąć pracę jako asystent produkcji (PA) na planie filmowym. W ten sposób osoba nauczy się umiejętności, które są wykorzystywane przez operatora. Zwykle nie zostaje się operatorem od razu po wykształceniu. Trzeba być drugim asystentem, pierwszym asystentem, wreszcie osobą obsługującą kamerę.
Operator może rozpocząć pracę nad filmami niezależnymi na początku swojej kariery. Następnie mogą przejść do świata zawodowego, aby znaleźć pracę w kinematografii. Praca przy małych projektach teatralnych pozwoli im doskonalić swoje umiejętności i budować kontakty w branży. Aby nawiązać kontakty, operatorzy powinni uczestniczyć w pokazach, wydarzeniach z czerwonego dywanu, seminariach itp. Powinni czytać odpowiednie magazyny branżowe, aby zachować na bieżąco z trendami i wiedza.
Najlepsze szkoły filmowe
Uniwersytet Kalifornijski w Los Angeles
Wydział Teatru, Filmu i Telewizji UCLA jest jednym z najlepszych ośrodków rozrywki i występów instytucji artystycznych na świecie. Szkoła oferuje programy dla absolwentów i studentów z aktorstwa, reżyserii, pisania, kinematografii, projektowania oświetlenia i nie tylko
University of North Carolina School of the Arts w Winston-Salem
UNCSA ma solidny program nauczania i stosuje praktyczne podejście do nauczania. W ciągu pierwszych dwóch lat studenci są proszeni o kręcenie różnych projektów cyfrowych, wraz ze szczegółowym nauczaniem współczesnej produkcji filmowej. UNCSA ma kurs licencjacki z kinematografii wraz z innymi kursami z kręcenia filmów, takimi jak reżyseria, animacja, produkcja, pisanie scenariuszy itp.
Uniwersytet Południowej Kalifornii w Los Angeles
USC jest znane z dużej liczby absolwentów, których wydało, w tym wybitnych, takich jak George Lucas. Szkoła oferuje szeroki zakres kursów z zakresu sztuki filmowej.
Konserwatorium AFI w Los Angeles
Amerykański Instytut Filmowy zapewnia praktyczne podejście do tworzenia filmów. AFI ma dobrze znanych absolwentów, takich jak David Lynch, Rachel Morrison i Darren Aronofsky. Program konserwatorium jest zarządzany przez Centrum Zaawansowanych Studiów Filmowych i Telewizyjnych AFI, które prowadzi między innymi kursy z zakresu reżyserii, produkcji, pisania i kinematografii.
Beijing Film Academy
BFA jest największą instytucją filmową w Azji i działa od 65 lat. Szkoła filmowa uczy wszystkich rzeczy związanych z tworzeniem filmów, od produkcji, animacji, kinematografii i nie tylko. Akademia znana jest na całym świecie ze swoich osiągnięć w produkcji filmowej.
Kilka terminologii kinematograficznych
strzały - Ujęcia to najmniejsza jednostka filmu. Pojedyncze ujęcie jest oddzielone od drugiego cięciami lub przejściami. W filmie fabularnym są tysiące ujęć.
Sceny - Liczba ujęć zrobionych w określonym czasie nazywana jest sceną. Po zmianie lokalizacji nastąpiłaby również zmiana sceny. Same sceny mają początek, środek i koniec. I byłoby wiele ujęć w scenie.
Sekwencje - Wiele scen razem tworzy sekwencję. Sekwencje mają również początek, środek i koniec. Sekwencja może mieć wiele lokalizacji. W filmie fabularnym jest około 20 sekwencji.
Ekstremalny strzał z dystansu - Tego rodzaju szerokie ujęcia są używane, gdy obiekty muszą być pokazane w kontekście środowiskowym. Tego typu ujęcia stosuje się również wtedy, gdy operator musi pokazać dwa różne miejsca.
Strzał z lotu ptaka - Ujęcie Bird's Eyeshot jest również niezwykle szerokie, ale zrobione jest z góry. W tego typu ujęciach ze sceny zaczynają wyłaniać się wzory. Zwykle widać to na początku filmu.
Długi strzał - W dłuższej perspektywie ludzie mogą zobaczyć, co dzieje się w okolicy, ale nie jest to wystarczająco blisko, aby mieć osobisty związek z tematem. Widz czuje się częścią sceny, jakbyś patrzył na kogoś z daleka.
Sredni strzał - Średnie ujęcie jest zwykle używane do pokazania ludzi w małych grupach, w których odbywa się wymiana dialogów. To ujęcie nie jest jeszcze na poziomie emocjonalnym. Chodzi o to, aby pokazać, co dzieje się na małym obszarze. Ujęcie jest zazwyczaj kadrowane od pasa w górę. Trochę więcej światła w kadrze pokaże emocje aktora.
Ujęcie z bliska — W ujęciu zbliżonym ukazana jest głównie twarz osoby, tak aby oddziaływanie emocji bohatera zostało przeniesione na widza.
Ekstremalne zbliżenie - Kiedy zobaczysz ekstremalne zbliżenie oczu, dłoni lub dowolnego przedmiotu, pomyśl o nich jako o ekstremalnych zbliżeniach. Te ujęcia są używane, aby scena była intensywna.
Holenderski kąt strzału - Holenderskie ujęcie kątowe jest używane, gdy operator musi pokazać brak stabilności lub gdy scena wymaga czegoś bardziej niepokojącego. Ta technika polega na przechylaniu aparatu w jedną stronę, aż dno nie będzie już równoległe do horyzontu.
Strzał przez ramię - To ujęcie jest zwykle używane, gdy postać rozmawia z drugą osobą lub patrzy na coś. W takich ujęciach ramię i głowa postaci są nieostre. A to, na co patrzy postać, jest ostre.
Strzał z przechyłu - Tilt Shot polega na przesuwaniu kamery zwykle z góry na dół lub z dołu do góry. To ujęcie w połączeniu z tym samym ruchem obiektu może dać świetne rezultaty. Ujęcia z pochylenia mogą być użyte na początku filmu jako ujęcie otwierające lub w celu ujawnienia czegoś na końcu ujęcia.
Ujęcie panoramiczne – Panning shot jest bardzo podobny do tilt shota, ale jest wykonywany poziomo. To zdjęcie zostało zrobione, aby pokazać ruch obiektu w poziomie lub otoczenie.
Zbliżenie - Zdjęcie z zoomem jest wykonywane w celu zwiększenia ostrości obiektu w scenie. Operatorzy stali się lepsi w robieniu tego ujęcia, pokazując bardziej naturalny zoom.
Strzał Dolly z zoomem – Dolly zoom shot polega na zbliżaniu się aparatu do obiektu na ścieżce dolly, podczas gdy aparat płynnie oddala obiekt.
Strzał z żurawia - W ujęciu z użyciem dźwigu kamera porusza się w kierunku obiektu w pionie lub odwrotnie. Ten rodzaj ujęcia jest teraz wykonywany za pomocą dronów; wcześniej używano drogich dźwigów.
Strzał śledzący -Ujęcie śledzące wykorzystuje gąsienicę lub drona do śledzenia obiektu. To ujęcie pokazuje większą żywotność ruchu, czego nie można osiągnąć, gdy aparat jest stabilny.
Ujęcie z perspektywy pierwszej osoby/ Ujęcie z punktu widzenia — Ujęcie z punktu widzenia jest wykonywane poprzez zamontowanie uchwytu kamery na obiekcie i pokazanie filmu z jego perspektywy. Technika ta ma na celu uatrakcyjnienie filmu.
Najlepsze filmy kinematograficzne wszechczasów
Zabójstwo Jessego Jamesa przez tchórzliwego Roberta Forda (2007): Roger Deakins współpracował przy tym filmie z Andrew Dominikiem. Film zaliczany jest do czołówki westernów, w których Deakins w niesamowity sposób wykorzystuje światło. Deakins czasami używał tych samych świateł w samych ujęciach. Znany jest z rozmów ze scenografami w celu włączenia sprzętu oświetleniowego do planów. Deakinsowi udało się nadać temu filmowi wygląd wyblakłej fotografii, która ma stary wygląd, ale nadal jest ostra tam, gdzie są tekstury.
Drzewo życia (2011): Reżyser Terence Malick pracował nad tym filmem, znanym z najlepszych zdjęć, z operatorem Emmanuelem Lubezkim. Lubezki podniósł wizję reżysera swoimi światowej klasy zdjęciami. Był w stanie zgłębić duchowy kontekst filmu w genialny sposób, wykorzystując twórczo światło. W filmie wykorzystano głównie naturalne światło. Lubezki pięknie pokazał w filmie walkę na śmierć i życie. Według Lubezki praca z Terence'em nad tym filmem była niezwykle trudna. To było tak, jakby reżyser próbował stworzyć błąd i wypadki, co sprawiło, że film wyglądał bardzo naturalnie. W opowieści wykorzystali naturalne elementy, takie jak wiatr, deszcz i słońce, które pomogły im uchwycić chwile, które są pięknymi chwilami, które nie trwają długo.
W nastroju do miłości (2000): Jeden z najlepszych filmów kinematograficznych, In the Mood for Love, to współpraca trzech operatorów: Christophera Doyle'a, Pung-Leung Kwana i Ping Bin Lee. Zdjęcia są zrobione w taki tajemniczy sposób. Widzowie mają wrażenie, że wścibiają się w życie dwojga bohaterów; którzy rozwijają tajny związek w filmie. Wrażenie wścibstwa uzyskuje się dzięki przemyślanemu ustawieniu i wykadrowaniu kamery. Ujęcia śledzące pokazujące tyły postaci również dodają tajemniczości.
Imigrant (2013): Znany ze swoich najlepszych zdjęć, Darius Khondji, pokazuje ten film jak trudny do zapamiętania klasyk. Khondji pracował przy kilku świetnych filmach, takich jak Evita, Seven, Midnight in Paris itp. Z powodzeniem udało mu się pokazać w tym filmie nowojorską scenę z lat 1920. XX wieku, a także uczynić American Dream bardziej atrakcyjnym.
Daleko od nieba (2002): Ed Lachman, autor zdjęć do filmu, współpracował z reżyserem Toddem Haynesem przy wielu projektach, ale „Daleko od nieba” zostało nakręcone na zupełnie nowym poziomie. Wyzwaniem dla Lachmana było stworzenie efektu napowietrznej siatki świetlnej, z nasyconymi tonami kolorów. W tym filmie musiał pracować z taśmą filmową z 2002 roku, a mimo to udało mu się pokazać emocje bohaterów za pomocą hipnotyzującej palety kolorów.
Jako początkujący operator musisz mieć dobrze zorganizowaną stronę internetową, która prezentuje Twoje portfolio w przejrzysty, minimalistyczny sposób. Twoja strona będzie reprezentować Twój styl pracy i przyciągnie więcej klientów i zapytań. Możliwości jest mnóstwo, ale musisz upewnić się, że widzowie rozumieją ideę i koncepcję stojącą za Twoją pracą, niezależnie od tego, czy chodzi o zdjęcia, produkcję wideo czy reżyserię.